[p]El mundo del coleccionismo de videojuegos acaba de vivir uno de sus momentos más agridulces de los últimos años. Un trastero cuyo contenido permanecía oculto ha salido a subasta, revelando en su interior una colección de valor incalculable para la historia del medio: prototipos de juegos, arte conceptual original, documentos de diseño internos, además de videojuegos, anime, películas y juguetes de diversas épocas. El hallazgo, recogido por [b]Kotaku[/b], ha generado una oleada de reacciones en la comunidad, entre la euforia de los coleccionistas y la preocupación de quienes creen que estos materiales deberían conservarse en archivos públicos.[/p][p]Entre los objetos más llamativos que han trascendido se encuentran documentos de diseño relacionados con títulos icónicos de los años ochenta y noventa, incluyendo materiales vinculados a [b]Double Dragon[/b]. Este tipo de artefactos son extraordinariamente raros: la industria del videojuego ha sido históricamente descuidada con la preservación de sus propios procesos creativos, y buena parte de los documentos internos de las grandes desarrolladoras de aquella era se han perdido para siempre. Que aparezca un lote de estas características es, sencillamente, excepcional.[/p][img alt='Documento de diseño original de Double Dragon, parte del contenido del trastero subastado']https://rvwcrnjhasyemvplhvcn.supabase.co/storage/v1/object/public/post-images/ai-1791367290937-5FoAbolj.jpg[/img][p]El debate que rodea este tipo de hallazgos no es nuevo, pero nunca pierde vigencia. Cuando piezas únicas de patrimonio cultural —porque eso son, cultura— acaban en manos privadas, existe el riesgo real de que desaparezcan de nuevo: guardadas en colecciones personales, fragmentadas entre múltiples compradores o, en el peor de los casos, deterioradas por una conservación inadecuada. Organizaciones dedicadas a la preservación de videojuegos, como el [b]Video Game History Foundation[/b], llevan años alertando sobre la fragilidad del archivo histórico del sector y la necesidad de digitalizar y proteger estos materiales antes de que se pierdan definitivamente.[/p][p]El episodio pone también el foco sobre una realidad incómoda: gran parte del patrimonio histórico de los videojuegos sigue disperso en lugares insospechados, a merced del azar. Trasteros, desvanes, almacenes de antiguos empleados de la industria... cualquiera de ellos podría albergar el próximo descubrimiento. La pregunta es si, cuando aparezca, habrá mecanismos para garantizar que esos materiales sean accesibles para investigadores, historiadores y aficionados, en lugar de desaparecer en el circuito privado del coleccionismo de alto valor.[/p][p]Por ahora, los afortunados que han podido hacerse con piezas de este trastero tienen entre sus manos algo genuinamente irrepetible. Y el resto de la comunidad se queda con la mezcla de fascinación y nostalgia que produce saber que, en algún lugar, la historia de los videojuegos espera ser redescubierta.[/p][p]Fuentes: [a href='https://kotaku.com/storage-unit-full-of-priceless-video-game-history-sold-off-to-collectors-2000741062']Kotaku[/a][/p]

El mundo del coleccionismo de videojuegos acaba de vivir uno de sus momentos más agridulces de los últimos años. Un trastero cuyo contenido permanecía oculto ha salido a subasta, revelando en su interior una colección de valor incalculable para la historia del medio: prototipos de juegos, arte conceptual original, documentos de diseño internos, además de videojuegos, anime, películas y juguetes de diversas épocas. El hallazgo, recogido por Kotaku, ha generado una oleada de reacciones en la comunidad, entre la euforia de los coleccionistas y la preocupación de quienes creen que estos materiales deberían conservarse en archivos públicos.Entre los objetos más llamativos que han trascendido se encuentran documentos de diseño relacionados con títulos icónicos de los años ochenta y noventa, incluyendo materiales vinculados a Double Dragon. Este tipo de artefactos son extraordinariamente raros: la industria del videojuego ha sido históricamente descuidada con la preservación de sus propios procesos creativos, y buena parte de los documentos internos de las grandes desarrolladoras de aquella era se han perdido para siempre. Que aparezca un lote de estas características es, sencillamente, excepcional.<img loading='lazy' class='post__image' alt='Documento de diseño original de Double Dragon, parte del contenido del trastero subastado' src='https://rvwcrnjhasyemvplhvcn.supabase.co/storage/v1/object/public/post-images/ai-1791367290937-5FoAbolj.jpg'>El debate que rodea este tipo de hallazgos no es nuevo, pero nunca pierde vigencia. Cuando piezas únicas de patrimonio cultural —porque eso son, cultura— acaban en manos privadas, existe el riesgo real de que desaparezcan de nuevo: guardadas en colecciones personales, fragmentadas entre múltiples compradores o, en el peor de los casos, deterioradas por una conservación inadecuada. Organizaciones dedicadas a la preservación de videojuegos, como el Video Game History Foundation, llevan años alertando sobre la fragilidad del archivo histórico del sector y la necesidad de digitalizar y proteger estos materiales antes de que se pierdan definitivamente.El episodio pone también el foco sobre una realidad incómoda: gran parte del patrimonio histórico de los videojuegos sigue disperso en lugares insospechados, a merced del azar. Trasteros, desvanes, almacenes de antiguos empleados de la industria... cualquiera de ellos podría albergar el próximo descubrimiento. La pregunta es si, cuando aparezca, habrá mecanismos para garantizar que esos materiales sean accesibles para investigadores, historiadores y aficionados, en lugar de desaparecer en el circuito privado del coleccionismo de alto valor.Por ahora, los afortunados que han podido hacerse con piezas de este trastero tienen entre sus manos algo genuinamente irrepetible. Y el resto de la comunidad se queda con la mezcla de fascinación y nostalgia que produce saber que, en algún lugar, la historia de los videojuegos espera ser redescubierta.Fuentes: <a target='_blank' href='https://kotaku.com/storage-unit-full-of-priceless-video-game-history-sold-off-to-collectors-2000741062'>Kotaku</a>

Un trastero con prototipos, arte conceptual y documentos de diseño de videojuegos clásicos ha sido subastado a coleccionistas privados.

Patrimonio gamer

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Un trastero lleno de historia: prototipos y documentos de diseño de videojuegos salen a la venta

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[p]Pocas franquicias del mundo del videojuego han vivido una montaña rusa tan extrema como [b]Sonic the Hedgehog[/b]. Lo que hoy es una de las IP más rentables de Sega, con varias películas taquilleras y juegos que vuelven a conectar con el público, estuvo a un paso de desaparecer para siempre. Así lo confirma una nueva información publicada por Kotaku, que desvela que [b]Sega llegó a plantearse seriamente cancelar la franquicia[/b] antes de que la primera película cambió todo.[/p]
[p]Según la fuente, la saga llevaba años encadenando tropiezos. Títulos que no terminaban de convencer, una identidad de marca que parecía difusa y una base de fans cada vez más fragmentada y difícil de satisfacer habían llevado a Sega a cuestionar el futuro comercial del personaje. El erizo azul, otrora rival directo de Mario en los noventa, parecía haber perdido su lugar en el mercado moderno. La compañía japonesa barajó dar carpetazo definitivo a una franquicia que consideraba en declive irreversible.[/p]
[h2]La película que salvó al erizo azul[/h2]
[p]Lo que cambió el rumbo fue el estreno de [b][i]Sonic the Hedgehog[/i] en 2020[/b]. A pesar del famoso escándalo del diseño original del personaje —que obligó a retrasar el film para rehacerlo de arriba abajo tras la reacción furiosa de los fans—, la película fue un éxito de taquilla rotundo. Recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo, demostrando que el afecto del público hacia el personaje seguía intacto y que había un mercado enorme dispuesto a consumir contenido de Sonic si se hacía bien.[/p]
[p]Ese resultado cambió por completo la perspectiva interna de Sega. Lo que parecía una IP en fase terminal se convirtió de nuevo en una prioridad estratégica. Las secuelas llegaron, también con éxito, y en el terreno de los videojuegos, [i]Sonic Frontiers[/i] supuso un paso adelante significativo en 2022. La historia de Sonic es, en definitiva, una lección sobre cómo el entretenimiento en diferentes formatos puede retroalimentarse y rescatar propiedades que parecían condenadas.[/p]
[p]Fuentes: [a href='https://kotaku.com/sega-was-ready-to-scrap-sonic-until-the-first-movie-proved-how-popular-he-still-was-2000736418']Kotaku[/a][/p]

Pocas franquicias del mundo del videojuego han vivido una montaña rusa tan extrema como Sonic the Hedgehog. Lo que hoy es una de las IP más rentables de Sega, con varias películas taquilleras y juegos que vuelven a conectar con el público, estuvo a un paso de desaparecer para siempre. Así lo confirma una nueva información publicada por Kotaku, que desvela que Sega llegó a plantearse seriamente cancelar la franquicia antes de que la primera película cambió todo.
Según la fuente, la saga llevaba años encadenando tropiezos. Títulos que no terminaban de convencer, una identidad de marca que parecía difusa y una base de fans cada vez más fragmentada y difícil de satisfacer habían llevado a Sega a cuestionar el futuro comercial del personaje. El erizo azul, otrora rival directo de Mario en los noventa, parecía haber perdido su lugar en el mercado moderno. La compañía japonesa barajó dar carpetazo definitivo a una franquicia que consideraba en declive irreversible.
<h2>La película que salvó al erizo azul</h2>
Lo que cambió el rumbo fue el estreno de Sonic the Hedgehog en 2020. A pesar del famoso escándalo del diseño original del personaje —que obligó a retrasar el film para rehacerlo de arriba abajo tras la reacción furiosa de los fans—, la película fue un éxito de taquilla rotundo. Recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo, demostrando que el afecto del público hacia el personaje seguía intacto y que había un mercado enorme dispuesto a consumir contenido de Sonic si se hacía bien.
Ese resultado cambió por completo la perspectiva interna de Sega. Lo que parecía una IP en fase terminal se convirtió de nuevo en una prioridad estratégica. Las secuelas llegaron, también con éxito, y en el terreno de los videojuegos, Sonic Frontiers supuso un paso adelante significativo en 2022. La historia de Sonic es, en definitiva, una lección sobre cómo el entretenimiento en diferentes formatos puede retroalimentarse y rescatar propiedades que parecían condenadas.
Fuentes: <a target='_blank' href='https://kotaku.com/sega-was-ready-to-scrap-sonic-until-the-first-movie-proved-how-popular-he-still-was-2000736418'>Kotaku</a>

Sega estuvo a punto de cancelar Sonic antes de que la primera película demostrara en 2020 que el erizo azul seguía siendo un icono con millones de fans.

Curiosidades

Sega estuvo a punto de cancelar a Sonic: la película lo salvó en el último momento

[p]Hay títulos que trascienden su época y se convierten en referencia obligada para cualquier aficionado al género. [b]Ultima VII: The Black Gate[/b], lanzado en 1992 por [b]Origin Systems[/b], es uno de ellos. Desarrollado bajo la dirección de [b]Richard Garriott[/b] —conocido en la comunidad como Lord British—, el juego supuso un salto cualitativo enorme respecto a sus predecesores y estableció estándares que todavía hoy se pueden rastrear en los RPG modernos.[/p][h2]Un mundo vivo antes de que los mundos vivos existieran[/h2][p]Lo que hacía extraordinario a Ultima VII no era solo la profundidad de su narrativa, sino la ambición con la que construía su mundo. [b]Britannia[/b] funcionaba como un ecosistema real: los personajes tenían rutinas diarias, los comerciantes abrían y cerraban sus tiendas, y los objetos del entorno podían ser manipulados con una libertad inusitada para la época. El jugador no era el centro del universo; era un visitante en un mundo que seguía su propio pulso.[/p][p]La historia giraba en torno a una misteriosa organización llamada [i]La Hermandad[/i], cuyo culto ocultaba algo mucho más siniestro de lo que aparentaba. La trama, cargada de crítica social y filosófica, resultaba sorprendentemente madura para los estándares del videojuego de principios de los noventa. Garriott y su equipo querían hacer algo más que entretener: querían provocar al jugador, hacerle pensar.[/p][h2]Limitaciones técnicas y soluciones creativas[/h2][p]El desarrollo no estuvo exento de dificultades. El motor gráfico debía gestionar un mundo enorme con una interactividad sin precedentes, lo que llevó al equipo a tomar decisiones de diseño audaces. El resultado fue un juego que, pese a sus exigencias de hardware —era conocido por devorar memoria RAM—, ofrecía una experiencia que ningún otro título de su tiempo podía igualar. La revista [i]Computer Gaming World[/i] lo premió como el mejor juego del año, y su influencia se dejó sentir durante décadas en títulos como [b]Baldur's Gate[/b], [b]Morrowind[/b] o el propio [b]Divinity: Original Sin[/b].[/p][h2]Un legado que no cesa[/h2][p]Más de treinta años después de su lanzamiento, Ultima VII sigue siendo objeto de estudio, de conversación y de cariño por parte de la comunidad. Proyectos de fans como [i]Ultima VII Revisited[/i] intentan preservar y actualizar la experiencia para las nuevas generaciones, mientras que los desarrolladores actuales siguen citándolo como una inspiración directa. Es el tipo de juego que, una vez jugado, redefine las expectativas de lo que un RPG puede ser.[/p][p]En un momento en que el género vive un resurgir notable gracias a títulos como [b]Baldur's Gate 3[/b] o [b]Kingdom Come: Deliverance II[/b], volver la vista atrás hacia Ultima VII no es nostalgia vacía: es entender de dónde venimos y, sobre todo, hacia dónde podemos seguir yendo.[/p][p]Fuentes: [a href='https://kotaku.com/the-history-of-ultima-vii-one-of-the-greatest-rpgs-ever-made-2000731070']Kotaku[/a][/p]

Hay títulos que trascienden su época y se convierten en referencia obligada para cualquier aficionado al género. Ultima VII: The Black Gate, lanzado en 1992 por Origin Systems, es uno de ellos. Desarrollado bajo la dirección de Richard Garriott —conocido en la comunidad como Lord British—, el juego supuso un salto cualitativo enorme respecto a sus predecesores y estableció estándares que todavía hoy se pueden rastrear en los RPG modernos.<h2>Un mundo vivo antes de que los mundos vivos existieran</h2>Lo que hacía extraordinario a Ultima VII no era solo la profundidad de su narrativa, sino la ambición con la que construía su mundo. Britannia funcionaba como un ecosistema real: los personajes tenían rutinas diarias, los comerciantes abrían y cerraban sus tiendas, y los objetos del entorno podían ser manipulados con una libertad inusitada para la época. El jugador no era el centro del universo; era un visitante en un mundo que seguía su propio pulso.La historia giraba en torno a una misteriosa organización llamada La Hermandad, cuyo culto ocultaba algo mucho más siniestro de lo que aparentaba. La trama, cargada de crítica social y filosófica, resultaba sorprendentemente madura para los estándares del videojuego de principios de los noventa. Garriott y su equipo querían hacer algo más que entretener: querían provocar al jugador, hacerle pensar.<h2>Limitaciones técnicas y soluciones creativas</h2>El desarrollo no estuvo exento de dificultades. El motor gráfico debía gestionar un mundo enorme con una interactividad sin precedentes, lo que llevó al equipo a tomar decisiones de diseño audaces. El resultado fue un juego que, pese a sus exigencias de hardware —era conocido por devorar memoria RAM—, ofrecía una experiencia que ningún otro título de su tiempo podía igualar. La revista Computer Gaming World lo premió como el mejor juego del año, y su influencia se dejó sentir durante décadas en títulos como Baldur's Gate, Morrowind o el propio Divinity: Original Sin.<h2>Un legado que no cesa</h2>Más de treinta años después de su lanzamiento, Ultima VII sigue siendo objeto de estudio, de conversación y de cariño por parte de la comunidad. Proyectos de fans como Ultima VII Revisited intentan preservar y actualizar la experiencia para las nuevas generaciones, mientras que los desarrolladores actuales siguen citándolo como una inspiración directa. Es el tipo de juego que, una vez jugado, redefine las expectativas de lo que un RPG puede ser.En un momento en que el género vive un resurgir notable gracias a títulos como Baldur's Gate 3 o Kingdom Come: Deliverance II, volver la vista atrás hacia Ultima VII no es nostalgia vacía: es entender de dónde venimos y, sobre todo, hacia dónde podemos seguir yendo.Fuentes: <a target='_blank' href='https://kotaku.com/the-history-of-ultima-vii-one-of-the-greatest-rpgs-ever-made-2000731070'>Kotaku</a>

Repasamos la historia y el legado de Ultima VII: The Black Gate, el RPG de 1992 que estableció los estándares del género y sigue inspirando juegos hoy.

Historia del videojuego

La historia de Ultima VII: el RPG que cambió el género para siempre

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'Cinzel', serif

[p]Hay experiencias en el mundo de los videojuegos que solo ocurren una vez. [b]Rock Band[/b], el juego de Harmonix que debutó en 2007 y se convirtió en el fenómeno social de toda una generación, sigue siendo dieciocho años después un caso prácticamente irrepetible en la historia del entretenimiento interactivo. No era solo un videojuego: era un [i]evento[/i], una excusa para reunir a cuatro personas alrededor de instrumentos de plástico y sentirse, por unos minutos, completamente ridículo y completamente genial al mismo tiempo.[/p]
[p]La fórmula tenía algo que muy pocas propuestas han conseguido igualar: la [b]fisicalidad del asunto[/b]. Golpear una batería de plástico, rasgar una guitarra con botones de colores o berrearte [i]Livin' on a Prayer[/i] por el micrófono delante de tus amigos creaba un tipo de vínculo social que los juegos competitivos online nunca han podido replicar. Era compartido, era caótico, era inclusivo. No importaba si eras gamer o no; si podías sostener un mando, podías subirse al escenario.[/p]
[p]Los propios medios especializados de la época dan fe del fenómeno. Redacciones enteras de revistas como [i]Official Xbox Magazine[/i] organizaban sesiones maratonianas de Rock Band que terminaban generando [b]fricciones entre departamentos[/b] de la misma editorial, con quejas de compañeros que intentaban trabajar mientras alguien aporreaba la batería al fondo. Es el tipo de anécdota que resume perfectamente el impacto cultural del juego: Rock Band no se jugaba, Rock Band se [i]vivía[/i].[/p]
[p]La pregunta que flota en el ambiente casi dos décadas después es por qué nadie ha sido capaz de repetirlo. El auge de los juegos de ritmo con periféricos duró apenas unos años antes de que el mercado se saturara —Guitar Hero, DJ Hero, Band Hero— y el género colapsara bajo el peso de sus propios excesos. Los instrumentos de plástico llenaron garajes y contenedores de reciclaje. Fortnite Festival, el intento más reciente de acercarse a esa experiencia dentro de un battle royale, demuestra que el interés sigue existiendo, pero ninguna propuesta moderna ha conseguido capturar aquella energía de fiesta en el salón de casa.[/p]
[p]El legado de Rock Band es, en definitiva, el de un juego que entendió que el multijugador no tiene por qué ser competitivo para ser memorable. A veces lo más poderoso es simplemente hacer el ridículo juntos.[/p]
[p]Fuentes: [a href='https://www.ign.com/articles/rock-band-was-a-multiplayer-experience-truly-unlike-anything-that-came-before-or-since']IGN[/a][/p]

Hay experiencias en el mundo de los videojuegos que solo ocurren una vez. Rock Band, el juego de Harmonix que debutó en 2007 y se convirtió en el fenómeno social de toda una generación, sigue siendo dieciocho años después un caso prácticamente irrepetible en la historia del entretenimiento interactivo. No era solo un videojuego: era un evento, una excusa para reunir a cuatro personas alrededor de instrumentos de plástico y sentirse, por unos minutos, completamente ridículo y completamente genial al mismo tiempo.
La fórmula tenía algo que muy pocas propuestas han conseguido igualar: la fisicalidad del asunto. Golpear una batería de plástico, rasgar una guitarra con botones de colores o berrearte Livin' on a Prayer por el micrófono delante de tus amigos creaba un tipo de vínculo social que los juegos competitivos online nunca han podido replicar. Era compartido, era caótico, era inclusivo. No importaba si eras gamer o no; si podías sostener un mando, podías subirse al escenario.
Los propios medios especializados de la época dan fe del fenómeno. Redacciones enteras de revistas como Official Xbox Magazine organizaban sesiones maratonianas de Rock Band que terminaban generando fricciones entre departamentos de la misma editorial, con quejas de compañeros que intentaban trabajar mientras alguien aporreaba la batería al fondo. Es el tipo de anécdota que resume perfectamente el impacto cultural del juego: Rock Band no se jugaba, Rock Band se vivía.
La pregunta que flota en el ambiente casi dos décadas después es por qué nadie ha sido capaz de repetirlo. El auge de los juegos de ritmo con periféricos duró apenas unos años antes de que el mercado se saturara —Guitar Hero, DJ Hero, Band Hero— y el género colapsara bajo el peso de sus propios excesos. Los instrumentos de plástico llenaron garajes y contenedores de reciclaje. Fortnite Festival, el intento más reciente de acercarse a esa experiencia dentro de un battle royale, demuestra que el interés sigue existiendo, pero ninguna propuesta moderna ha conseguido capturar aquella energía de fiesta en el salón de casa.
El legado de Rock Band es, en definitiva, el de un juego que entendió que el multijugador no tiene por qué ser competitivo para ser memorable. A veces lo más poderoso es simplemente hacer el ridículo juntos.
Fuentes: <a target='_blank' href='https://www.ign.com/articles/rock-band-was-a-multiplayer-experience-truly-unlike-anything-that-came-before-or-since'>IGN</a>

Rock Band cumple 18 años y sigue siendo el multijugador más especial de la historia del gaming. Repasamos por qué nadie ha conseguido replicar su magia.

Actualidad

Rock Band: por qué ningún juego multijugador ha vuelto a conseguir lo que logró hace 18 años

[p][b]Star Trek: Elite Force 2[/b] es recordado con cariño por los aficionados al shooter en primera persona y a la franquicia de Gene Roddenberry, pero pocos conocen la historia detrás de su desarrollo. Según revela Kotaku, el juego tuvo que someterse a [b]cambios significativos en su guion y diseño de niveles[/b] como consecuencia directa de los atentados del 11 de septiembre de 2001, en un proceso que afectó a numerosas producciones de cine, televisión y videojuegos de aquella época.[/p][p]El equipo desarrollador ha reconocido que, antes de los atentados, el juego contaba en su argumento con una secuencia en la que [b]un transbordador espacial se estrellaba contra un edificio[/b]. La imagen, que en el contexto de ciencia ficción de Star Trek resultaba perfectamente normal, se convirtió de la noche a la mañana en algo impensable de mantener en el producto final. [i]«Realmente teníamos un transbordador volando hacia un edificio»[/i], declaró uno de los implicados en el desarrollo.[/p][h2]El 11-S que cambió la ficción para siempre[/h2][p]El impacto de los atentados del 11 de septiembre en la cultura popular fue enorme y se dejó sentir con fuerza en la industria del entretenimiento. Películas como [b]Spider-Man[/b] (2002) eliminaron planos rodados con las Torres Gemelas, y decenas de videojuegos en desarrollo en aquel momento tuvieron que revisar sus contenidos. Elite Force 2 fue uno de esos casos: la producción tuvo que detenerse para reescribir pasajes enteros de la historia y rediseñar escenarios que, a la luz de lo ocurrido el 11 de septiembre de 2001, resultaban demasiado sensibles.[/p][p]Desarrollado por [b]Ritual Entertainment[/b] y publicado en 2003, Star Trek: Elite Force 2 ponía al jugador en la piel del teniente Alexander Munro, líder del equipo de élite Hazard Team. El juego mejoró notablemente la fórmula del primer [b]Star Trek: Voyager – Elite Force[/b] (2000) y fue bien recibido por la crítica, aunque con el tiempo cayó en el olvido por razones de licencias, algo habitual en los títulos de Star Trek.[/p][p]La anécdota sirve como recordatorio de que los videojuegos, como cualquier otra forma de arte y entretenimiento, no existen en una burbuja aislada de la realidad. Los grandes eventos históricos moldean inevitablemente las historias que se cuentan, incluso cuando estas transcurren a bordo de naves estelares a siglos de distancia. Una lección que el equipo de Elite Force 2 aprendió de la manera más dura posible.[/p][p]Fuentes: [a href='https://kotaku.com/fan-favorite-star-trek-fps-had-to-change-its-plot-after-9-11-we-actually-had-a-shuttle-fly-into-a-building-2000725110']Kotaku[/a][/p]

Star Trek: Elite Force 2 es recordado con cariño por los aficionados al shooter en primera persona y a la franquicia de Gene Roddenberry, pero pocos conocen la historia detrás de su desarrollo. Según revela Kotaku, el juego tuvo que someterse a cambios significativos en su guion y diseño de niveles como consecuencia directa de los atentados del 11 de septiembre de 2001, en un proceso que afectó a numerosas producciones de cine, televisión y videojuegos de aquella época.El equipo desarrollador ha reconocido que, antes de los atentados, el juego contaba en su argumento con una secuencia en la que un transbordador espacial se estrellaba contra un edificio. La imagen, que en el contexto de ciencia ficción de Star Trek resultaba perfectamente normal, se convirtió de la noche a la mañana en algo impensable de mantener en el producto final. «Realmente teníamos un transbordador volando hacia un edificio», declaró uno de los implicados en el desarrollo.<h2>El 11-S que cambió la ficción para siempre</h2>El impacto de los atentados del 11 de septiembre en la cultura popular fue enorme y se dejó sentir con fuerza en la industria del entretenimiento. Películas como Spider-Man (2002) eliminaron planos rodados con las Torres Gemelas, y decenas de videojuegos en desarrollo en aquel momento tuvieron que revisar sus contenidos. Elite Force 2 fue uno de esos casos: la producción tuvo que detenerse para reescribir pasajes enteros de la historia y rediseñar escenarios que, a la luz de lo ocurrido el 11 de septiembre de 2001, resultaban demasiado sensibles.Desarrollado por Ritual Entertainment y publicado en 2003, Star Trek: Elite Force 2 ponía al jugador en la piel del teniente Alexander Munro, líder del equipo de élite Hazard Team. El juego mejoró notablemente la fórmula del primer Star Trek: Voyager – Elite Force (2000) y fue bien recibido por la crítica, aunque con el tiempo cayó en el olvido por razones de licencias, algo habitual en los títulos de Star Trek.La anécdota sirve como recordatorio de que los videojuegos, como cualquier otra forma de arte y entretenimiento, no existen en una burbuja aislada de la realidad. Los grandes eventos históricos moldean inevitablemente las historias que se cuentan, incluso cuando estas transcurren a bordo de naves estelares a siglos de distancia. Una lección que el equipo de Elite Force 2 aprendió de la manera más dura posible.Fuentes: <a target='_blank' href='https://kotaku.com/fan-favorite-star-trek-fps-had-to-change-its-plot-after-9-11-we-actually-had-a-shuttle-fly-into-a-building-2000725110'>Kotaku</a>

Star Trek: Elite Force 2 tuvo que cambiar su argumento tras el 11-S: el juego incluía un transbordador estrellándose contra un edificio.

Historia

Star Trek: Elite Force 2 tuvo que reescribir su historia por el 11-S: «Un transbordador chocaba contra un edificio»

[p]El mundo de los videojuegos tiene muy pocos objetos tan cargados de historia como [b]Computer Space[/b], la máquina recreativa que en 1971 se convirtió en el primer arcade distribuido comercialmente. Diseñada por Nolan Bushnell y Ted Dabney —los futuros fundadores de Atari— antes incluso de que existiera Pong, Computer Space supuso el primer intento serio de llevar los videojuegos a los bares y salones recreativos de todo Estados Unidos. Ahora, más de cincuenta años después, una de sus variantes más escasas está a punto de cambiar de manos.[/p][h2]Una pieza única de la historia del arcade[/h2][p]La unidad que sale a subasta no es una Computer Space cualquiera: se trata de la [b]versión para dos jugadores[/b], una configuración especialmente rara de la que se fabricaron muy pocas unidades. El propietario que la pone en venta es [b]David Perry[/b], fundador de Shiny Entertainment, el estudio legendario responsable de títulos como [i]Earthworm Jim[/i] o [i]MDK[/i]. Perry ha conservado la máquina durante años como parte de su colección personal, lo que añade una capa adicional de valor histórico y sentimental a la pieza.[/p][p]Computer Space fue el precursor directo de Pong y, por extensión, de toda la industria del videojuego tal y como la conocemos hoy. Aunque su éxito comercial fue limitado —su mecánica resultaba demasiado compleja para el público general de la época—, la máquina abrió el camino a una revolución cultural y tecnológica sin precedentes. La versión para dos jugadores es aún más especial, ya que el modelo estándar estaba diseñado para un solo participante, lo que hace que los ejemplares en dos jugadores sean una verdadera rareza en el mercado de coleccionismo.[/p][h2]El mercado de los arcades históricos, en auge[/h2][p]El coleccionismo de máquinas recreativas vintage lleva años experimentando un crecimiento sostenido, pero las piezas con auténtico valor histórico como esta son extremadamente difíciles de encontrar. No se han revelado todavía la casa de subastas ni el precio de salida, aunque los expertos del sector anticipan que una unidad en estas condiciones —procedente de una colección tan conocida como la de David Perry y con la particularidad de ser la versión para dos jugadores— podría alcanzar cifras muy elevadas. Ejemplares estándar de Computer Space en buen estado ya se han llegado a vender por decenas de miles de dólares en subastas anteriores.[/p][p]Para la comunidad de preservación del videojuego, noticias como esta tienen un agridulce doble filo: por un lado, sacan a la luz piezas que de otro modo permanecerían en colecciones privadas; por otro, el alto precio que suelen alcanzar las aleja de museos o instituciones públicas que podrían garantizar su acceso al público general. Sea cual sea el destino final de esta Computer Space, su sola aparición en el mercado es un recordatorio de los humildes y revolucionarios orígenes de una industria que hoy mueve cientos de miles de millones de dólares.[/p][p]Fuentes: [a href='https://kotaku.com/rare-two-player-version-of-first-arcade-game-up-for-auction-from-shiny-entertainment-founder-2000724719']Kotaku[/a][/p]

El mundo de los videojuegos tiene muy pocos objetos tan cargados de historia como Computer Space, la máquina recreativa que en 1971 se convirtió en el primer arcade distribuido comercialmente. Diseñada por Nolan Bushnell y Ted Dabney —los futuros fundadores de Atari— antes incluso de que existiera Pong, Computer Space supuso el primer intento serio de llevar los videojuegos a los bares y salones recreativos de todo Estados Unidos. Ahora, más de cincuenta años después, una de sus variantes más escasas está a punto de cambiar de manos.<h2>Una pieza única de la historia del arcade</h2>La unidad que sale a subasta no es una Computer Space cualquiera: se trata de la versión para dos jugadores, una configuración especialmente rara de la que se fabricaron muy pocas unidades. El propietario que la pone en venta es David Perry, fundador de Shiny Entertainment, el estudio legendario responsable de títulos como Earthworm Jim o MDK. Perry ha conservado la máquina durante años como parte de su colección personal, lo que añade una capa adicional de valor histórico y sentimental a la pieza.Computer Space fue el precursor directo de Pong y, por extensión, de toda la industria del videojuego tal y como la conocemos hoy. Aunque su éxito comercial fue limitado —su mecánica resultaba demasiado compleja para el público general de la época—, la máquina abrió el camino a una revolución cultural y tecnológica sin precedentes. La versión para dos jugadores es aún más especial, ya que el modelo estándar estaba diseñado para un solo participante, lo que hace que los ejemplares en dos jugadores sean una verdadera rareza en el mercado de coleccionismo.<h2>El mercado de los arcades históricos, en auge</h2>El coleccionismo de máquinas recreativas vintage lleva años experimentando un crecimiento sostenido, pero las piezas con auténtico valor histórico como esta son extremadamente difíciles de encontrar. No se han revelado todavía la casa de subastas ni el precio de salida, aunque los expertos del sector anticipan que una unidad en estas condiciones —procedente de una colección tan conocida como la de David Perry y con la particularidad de ser la versión para dos jugadores— podría alcanzar cifras muy elevadas. Ejemplares estándar de Computer Space en buen estado ya se han llegado a vender por decenas de miles de dólares en subastas anteriores.Para la comunidad de preservación del videojuego, noticias como esta tienen un agridulce doble filo: por un lado, sacan a la luz piezas que de otro modo permanecerían en colecciones privadas; por otro, el alto precio que suelen alcanzar las aleja de museos o instituciones públicas que podrían garantizar su acceso al público general. Sea cual sea el destino final de esta Computer Space, su sola aparición en el mercado es un recordatorio de los humildes y revolucionarios orígenes de una industria que hoy mueve cientos de miles de millones de dólares.Fuentes: <a target='_blank' href='https://kotaku.com/rare-two-player-version-of-first-arcade-game-up-for-auction-from-shiny-entertainment-founder-2000724719'>Kotaku</a>

La versión para dos jugadores de Computer Space, el primer arcade de la historia, sale a subasta de la mano del fundador de Shiny Entertainment, David Perry.

La primera máquina recreativa de la historia sale a subasta: Computer Space en versión para dos jugadores

[p]Veinticinco años después de que [b]Mafia: The City of Lost Heaven[/b] llegara a los PC en 2002, la saga de [b]Illusion Softworks[/b] —y posteriormente de [b]Hangar 13[/b]— sigue siendo una de las franquicias más respetadas del género de mundo abierto. Para celebrar este aniversario, [b]IGN[/b] ha publicado una extensa historia oral en la que entrevista a varios de los desarrolladores que han dado forma a la serie a lo largo de estas dos décadas y media.[/p][h2]De Praga a Hollywood: el origen de una saga única[/h2][p]La primera entrega nació en el estudio checo Illusion Softworks con una propuesta radicalmente diferente a la de su gran competidor de entonces, [i]Grand Theft Auto III[/i]: en lugar de abrazar el caos y la libertad absoluta, [b]Mafia[/b] apostó por la narrativa cinematográfica, la ambientación de época y un ritmo más pausado y reflexivo. Según los propios creadores entrevistados por IGN, esa decisión fue tan arriesgada como deliberada, y marcó para siempre la identidad de la franquicia.[/p][h2]Mafia II, el salto a la nueva generación y la presión de 2K[/h2][p]El segundo capítulo, lanzado en [b]2010[/b] bajo la tutela de [b]2K Games[/b], amplió el universo de la serie con una ambientación que abarcaba desde los años cuarenta hasta los cincuenta. Los desarrolladores reconocen en la historia oral que fue un proyecto enormemente ambicioso que sufrió recortes de contenido, pero que al mismo tiempo consolidó a [b]Vito Scaletta[/b] como uno de los protagonistas más queridos de la saga. La presión de entregar un juego a la altura de las expectativas generadas por la primera entrega fue, según sus propias palabras, considerable.[/p][h2]Mafia III y la valentía de contar una historia diferente[/h2][p]Con [b]Mafia III[/b] (2016), el recién formado Hangar 13 dio un giro radical: un protagonista afroamericano, [b]Lincoln Clay[/b], y una historia ambientada en el sur de Estados Unidos de finales de los años sesenta, con la segregación racial y Vietnam como telón de fondo. Los desarrolladores explican que fue una apuesta deliberada por contar algo que los videojuegos raramente abordan, aunque reconocen que la repetitividad del gameplay fue una crítica legítima que tuvieron que asumir. A pesar de ello, las ventas fueron sólidas y el impacto cultural, notable.[/p][h2]El remake de 2020 y el futuro de la franquicia[/h2][p]La historia oral también recorre el proceso del [b]remake de Mafia[/b] lanzado en 2020, que actualizó el juego original con un motor moderno y cinemáticas completamente nuevas, recibiendo una respuesta muy positiva tanto de veteranos como de nuevos jugadores. Los entrevistados celebran que ese proyecto permitió que toda una nueva generación conociera los orígenes de la saga. Sobre el futuro, el silencio es elocuente: Hangar 13 no ha anunciado formalmente una nueva entrega, pero los 25 años de la franquicia y la publicación de esta historia oral sugieren que [b]2K Games[/b] no ha olvidado a la familia.[/p][p]Fuentes: [a href='https://www.ign.com/articles/25-years-of-mafia-video-games-an-oral-history']IGN[/a][/p]

Veinticinco años después de que Mafia: The City of Lost Heaven llegara a los PC en 2002, la saga de Illusion Softworks —y posteriormente de Hangar 13— sigue siendo una de las franquicias más respetadas del género de mundo abierto. Para celebrar este aniversario, IGN ha publicado una extensa historia oral en la que entrevista a varios de los desarrolladores que han dado forma a la serie a lo largo de estas dos décadas y media.<h2>De Praga a Hollywood: el origen de una saga única</h2>La primera entrega nació en el estudio checo Illusion Softworks con una propuesta radicalmente diferente a la de su gran competidor de entonces, Grand Theft Auto III: en lugar de abrazar el caos y la libertad absoluta, Mafia apostó por la narrativa cinematográfica, la ambientación de época y un ritmo más pausado y reflexivo. Según los propios creadores entrevistados por IGN, esa decisión fue tan arriesgada como deliberada, y marcó para siempre la identidad de la franquicia.<h2>Mafia II, el salto a la nueva generación y la presión de 2K</h2>El segundo capítulo, lanzado en 2010 bajo la tutela de 2K Games, amplió el universo de la serie con una ambientación que abarcaba desde los años cuarenta hasta los cincuenta. Los desarrolladores reconocen en la historia oral que fue un proyecto enormemente ambicioso que sufrió recortes de contenido, pero que al mismo tiempo consolidó a Vito Scaletta como uno de los protagonistas más queridos de la saga. La presión de entregar un juego a la altura de las expectativas generadas por la primera entrega fue, según sus propias palabras, considerable.<h2>Mafia III y la valentía de contar una historia diferente</h2>Con Mafia III (2016), el recién formado Hangar 13 dio un giro radical: un protagonista afroamericano, Lincoln Clay, y una historia ambientada en el sur de Estados Unidos de finales de los años sesenta, con la segregación racial y Vietnam como telón de fondo. Los desarrolladores explican que fue una apuesta deliberada por contar algo que los videojuegos raramente abordan, aunque reconocen que la repetitividad del gameplay fue una crítica legítima que tuvieron que asumir. A pesar de ello, las ventas fueron sólidas y el impacto cultural, notable.<h2>El remake de 2020 y el futuro de la franquicia</h2>La historia oral también recorre el proceso del remake de Mafia lanzado en 2020, que actualizó el juego original con un motor moderno y cinemáticas completamente nuevas, recibiendo una respuesta muy positiva tanto de veteranos como de nuevos jugadores. Los entrevistados celebran que ese proyecto permitió que toda una nueva generación conociera los orígenes de la saga. Sobre el futuro, el silencio es elocuente: Hangar 13 no ha anunciado formalmente una nueva entrega, pero los 25 años de la franquicia y la publicación de esta historia oral sugieren que 2K Games no ha olvidado a la familia.Fuentes: <a target='_blank' href='https://www.ign.com/articles/25-years-of-mafia-video-games-an-oral-history'>IGN</a>

IGN reúne a los desarrolladores de la saga Mafia para celebrar su 25 aniversario con una historia oral sobre el legado de la franquicia.

Aniversario

25 años de la saga Mafia: los creadores recuerdan su legado en una historia oral

[p]Antes de que YouTube existiera, antes de que los State of Play o los Nintendo Direct se convirtieran en eventos globales, hubo un sitio web llamado [b]GameTrailers.com[/b] que enseñó al mundo a emocionarse con un tráiler de videojuego. Su historia, rescatada ahora por Kotaku, es la de [b]Geoff Grotz y Brandon Jones[/b], dos licenciados en cinematografía que querían replicar el ritual que vivían visitando el portal de tráilers de Apple, pero aplicado a los videojuegos.[/p][h2]Del TiVo a la revolución del hype[/h2][p]El origen del proyecto es tan artesanal como apasionante. Grotz y Jones comenzaron capturando anuncios de televisión y contenidos de [b]discos de demo[/b] con un [b]TiVo[/b] para recopilar material audiovisual de videojuegos cuando prácticamente no existían fuentes digitales para ello. Lo que empezó como un proyecto de fans fue creciendo hasta convertirse en el referente absoluto para cualquier jugador que quisiera ver las novedades en movimiento antes de que llegaran a las tiendas.[/p][h2]De MTV al legado que aún sentimos hoy[/h2][p]La calidad y la visión del portal no tardaron en llamar la atención de grandes actores de la industria del entretenimiento. [b]MTV[/b] —entonces en el cénit de su influencia cultural— se fijó en GameTrailers.com y acabó siendo parte de la trayectoria del proyecto, que con el tiempo quedó bajo el paraguas de [b]Viacom[/b]. El sitio también cruzó caminos con figuras que hoy son pilares del sector, como [b]Geoff Keighley[/b], creador de The Game Awards. Aunque la plataforma cerró definitivamente en 2016, cuando YouTube ya había democratizado por completo la distribución de vídeo, su influencia en cómo la industria comunica y genera expectación alrededor de sus lanzamientos sigue siendo innegable.[/p][p]GameTrailers.com demostró que los jugadores podían vibrar con un tráiler tanto como con cualquier blockbuster de Hollywood, y sentó las bases de una cultura del hype que hoy define el calendario del sector: de los grandes eventos de junio a los directos sorpresa de madrugada. Una historia que merece ser recordada.[/p][p]Fuentes: [a href='https://kotaku.com/gametrailers-history-viacom-mtv-youtube-geoff-keighley-brandon-jones-2000723361']Kotaku[/a][/p]

Antes de que YouTube existiera, antes de que los State of Play o los Nintendo Direct se convirtieran en eventos globales, hubo un sitio web llamado GameTrailers.com que enseñó al mundo a emocionarse con un tráiler de videojuego. Su historia, rescatada ahora por Kotaku, es la de Geoff Grotz y Brandon Jones, dos licenciados en cinematografía que querían replicar el ritual que vivían visitando el portal de tráilers de Apple, pero aplicado a los videojuegos.<h2>Del TiVo a la revolución del hype</h2>El origen del proyecto es tan artesanal como apasionante. Grotz y Jones comenzaron capturando anuncios de televisión y contenidos de discos de demo con un TiVo para recopilar material audiovisual de videojuegos cuando prácticamente no existían fuentes digitales para ello. Lo que empezó como un proyecto de fans fue creciendo hasta convertirse en el referente absoluto para cualquier jugador que quisiera ver las novedades en movimiento antes de que llegaran a las tiendas.<h2>De MTV al legado que aún sentimos hoy</h2>La calidad y la visión del portal no tardaron en llamar la atención de grandes actores de la industria del entretenimiento. MTV —entonces en el cénit de su influencia cultural— se fijó en GameTrailers.com y acabó siendo parte de la trayectoria del proyecto, que con el tiempo quedó bajo el paraguas de Viacom. El sitio también cruzó caminos con figuras que hoy son pilares del sector, como Geoff Keighley, creador de The Game Awards. Aunque la plataforma cerró definitivamente en 2016, cuando YouTube ya había democratizado por completo la distribución de vídeo, su influencia en cómo la industria comunica y genera expectación alrededor de sus lanzamientos sigue siendo innegable.GameTrailers.com demostró que los jugadores podían vibrar con un tráiler tanto como con cualquier blockbuster de Hollywood, y sentó las bases de una cultura del hype que hoy define el calendario del sector: de los grandes eventos de junio a los directos sorpresa de madrugada. Una historia que merece ser recordada.Fuentes: <a target='_blank' href='https://kotaku.com/gametrailers-history-viacom-mtv-youtube-geoff-keighley-brandon-jones-2000723361'>Kotaku</a>

La historia de GameTrailers.com: cómo dos estudiantes de cine y un TiVo crearon el primer gran portal de tráilers de videojuegos y cambiaron el hype para siempre.

GameTrailers.com: la web que inventó la cultura del hype en los videojuegos

[p]La historia del videojuego está llena de decisiones arriesgadas, pero pocas tan llamativas como la que acaba de revelar [b]John Romero[/b], cofundador de [b]id Software[/b] y uno de los padres del shooter moderno. En una reciente entrevista, Romero ha contado que el estudio colaboró activamente con [b]piratas taiwaneses[/b] para distribuir [i]Doom[/i] a principios de los noventa, en una jugada que mezclaba pragmatismo empresarial con una visión muy particular de lo que era el marketing en aquella época.[/p][p]Según explica Romero, id Software era perfectamente consciente de que sus juegos circulaban de forma ilegal por mercados asiáticos. Lejos de combatirlo, el estudio decidió aprovechar esa red de distribución informal para maximizar el alcance del juego. La lógica era sencilla: cuanta más gente jugara a [i]Doom[/i], más se hablaría de él, y eso acabaría repercutiendo en ventas legítimas en otros mercados. Una estrategia que hoy podría calificarse casi de [i]growth hacking[/i] avant la lettre.[/p][p]El modelo de negocio de [i]Doom[/i] ya era peculiar de por sí: el primer episodio era [b]shareware[/b], es decir, gratuito y pensado para que los jugadores lo copiaran y compartieran libremente. Esa filosofía de difusión masiva encajaba bien con tolerar —e incluso fomentar— que versiones del juego llegaran a lugares donde la distribución oficial era prácticamente inexistente. Taiwan, en aquel momento, era un mercado con una industria del software pirata muy desarrollada y con millones de potenciales jugadores.[/p][p]Romero no ha dado todos los detalles de cómo funcionaba exactamente esa colaboración, pero el simple hecho de que id Software [b]eligiera no perseguir esas copias y las viera como una herramienta de expansión[/b] dice mucho sobre la mentalidad del estudio en aquella época. Un equipo pequeño, con recursos limitados y una ambición enorme, dispuesto a hacer lo que fuera necesario para que [i]Doom[/i] llegara a cuanta más gente mejor. A la vista de los resultados —el juego se convirtió en uno de los más influyentes de la historia—, la estrategia no pudo salir mejor.[/p][p]La anécdota, más allá de su valor histórico, pone de relieve lo diferente que era el ecosistema del videojuego en los noventa. Sin internet masivo, sin tiendas digitales y con una industria que todavía no había desarrollado los mecanismos de control que existen hoy, la línea entre distribución oficial y piratería era a veces deliberadamente borrosa. Y en ese contexto, id Software supo leerlo mejor que nadie.[/p][p]Fuentes: [a href='https://www.eurogamer.net/john-romero-doom-id-software-taiwanese-pirates']Eurogamer[/a][/p]

La historia del videojuego está llena de decisiones arriesgadas, pero pocas tan llamativas como la que acaba de revelar John Romero, cofundador de id Software y uno de los padres del shooter moderno. En una reciente entrevista, Romero ha contado que el estudio colaboró activamente con piratas taiwaneses para distribuir Doom a principios de los noventa, en una jugada que mezclaba pragmatismo empresarial con una visión muy particular de lo que era el marketing en aquella época.Según explica Romero, id Software era perfectamente consciente de que sus juegos circulaban de forma ilegal por mercados asiáticos. Lejos de combatirlo, el estudio decidió aprovechar esa red de distribución informal para maximizar el alcance del juego. La lógica era sencilla: cuanta más gente jugara a Doom, más se hablaría de él, y eso acabaría repercutiendo en ventas legítimas en otros mercados. Una estrategia que hoy podría calificarse casi de growth hacking avant la lettre.El modelo de negocio de Doom ya era peculiar de por sí: el primer episodio era shareware, es decir, gratuito y pensado para que los jugadores lo copiaran y compartieran libremente. Esa filosofía de difusión masiva encajaba bien con tolerar —e incluso fomentar— que versiones del juego llegaran a lugares donde la distribución oficial era prácticamente inexistente. Taiwan, en aquel momento, era un mercado con una industria del software pirata muy desarrollada y con millones de potenciales jugadores.Romero no ha dado todos los detalles de cómo funcionaba exactamente esa colaboración, pero el simple hecho de que id Software eligiera no perseguir esas copias y las viera como una herramienta de expansión dice mucho sobre la mentalidad del estudio en aquella época. Un equipo pequeño, con recursos limitados y una ambición enorme, dispuesto a hacer lo que fuera necesario para que Doom llegara a cuanta más gente mejor. A la vista de los resultados —el juego se convirtió en uno de los más influyentes de la historia—, la estrategia no pudo salir mejor.La anécdota, más allá de su valor histórico, pone de relieve lo diferente que era el ecosistema del videojuego en los noventa. Sin internet masivo, sin tiendas digitales y con una industria que todavía no había desarrollado los mecanismos de control que existen hoy, la línea entre distribución oficial y piratería era a veces deliberadamente borrosa. Y en ese contexto, id Software supo leerlo mejor que nadie.Fuentes: <a target='_blank' href='https://www.eurogamer.net/john-romero-doom-id-software-taiwanese-pirates'>Eurogamer</a>

John Romero revela que id Software colaboró con piratas taiwaneses para distribuir Doom en Asia, una estrategia informal de marketing de los años 90.

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